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潘天寿先生总要他临摹澳门新萄京2566:,让赵无极有了创作上的具体转变

15 5月 , 2020  

要让绘画呼吸

《 教堂风景》 1951 年

我觉得现在绘画的问题不是中国或者欧洲和美国的问题,而应当是国际性的问题。所以中国画和西洋画不应当分得太清楚,而是应该在一起考虑,西方的素描是基础,我们中国画毛笔字是基础,我觉得中国画和西洋画没有冲突,可以互相帮助,互相补充,分得很清是不通的。不能说我是我画水墨的,你是画油画的,他是做雕塑的……

赵无极说,“历史就是这样把我推向了遥远的法国,让我在那裡生根安居,然后又让我重返中国,使我内心最深处的追求终有归宿。”

我希望你们的画本身要动,而你们用笔总有停的感觉,我让它动起来这块颜色不能孤立,应该连起来。现在,我不是恭维你们,你们的画已经在动了,已经有生气了,不再是死的样子了。

不是我不敢教你们抽象画,因为绘画创作是一种需要,一种自身的需要,内心的需要。你没有这种需要,硬要变,变不了,硬要新,新不了。你们基本的观察方法改变后,觉得自己这样画不够了,内心提出了需要,就会创出新路子。

中国的教育建立在记忆之上,学习写字和书法必须经过长期的重复动作,而所有的学院主义都来自重复。绘画正是要避免这个陷阱。要是在1935年,杭州美专的老师就教我这些,我该节省下多少领悟这些道理所费的时间啊!

中国古代的好画也是这样,比如范宽(北宋,990~1020),他功夫很好,但你觉得鬆得很,看得很舒服;倪云林(倪攒,元末,1301~1374)也是,淡淡几笔,却表现了很多东西。

临画也要有自己的主张,要去理解大师画时的心境。不要抄,不要临表面的结构,要临他的呼吸,精神。

当你模仿时,你是不会了解自己的,不会懂得发掘并表现自己的不同。

不懂画的人,总希望画是满满的,不知道透气。

画面要有紧有鬆。到处紧-透不过气来,到处鬆-就空洞。世界上的事物都存在著对比,音乐总有停的时候,中国画也有休息的地方-留白。

《海滩》

年轻时的赵无极

12.面向你的时代

你看,这背景一静,裸体就出来了。刚才那张人体的后边太厚,人们的眼睛就会被吸引过去。

你们要使自己的画进步,就应该不停地给自己提出问题。没有问题,那就糟糕了。每个人总有不完全的地方,问题是你看得清楚还是看不清楚。有的人照镜子,总是“哎呀!我多漂亮!”也有的人越照越觉得自己丑。总觉得自己漂亮,不是办法。总觉得自己丑,也不是办法。最重要的是自己知道自己的好处坏处,这一点很要紧。

有的人功夫很好,可他画的画让人看了累得不得了。他画得累,看的人更累。

最重要的是坚持你自己,为自己画画。画画是自己的语言,你把自己的语言讲出来,要尽量明了中肯,啰哩啰嗦的别人就听不懂。当然,有的时候只要自己懂就行了,以后别人也会慢慢了解的。

这地方好,那地方坏,这地方应该多一点,那地方应该少一点,每一笔都自问是不是对的。能做到自检,就能经常发现自己的问题。你们若想要进步,就应该不停地给自己提出问题,每个人总有不完善的地方,问题是你看得清楚还是看不清楚。

孙建平、黄河清整理摘编

现在你们的画还有个主题的问题,是想让别人看得懂,这个问题也要看是在什么程度上给什么人看,有的人看不懂,有的人会看懂,取决于每个人的文化理解程度。

2.看整体,不是看小趣味

4.画要能呼吸

画面要有紧有松。到处紧透不过气来;到处松就空洞。世界上事情都存在着对比。音乐总有停的时候,中国画里也有休息的空白的地方,这个很重要。不懂画的人,总希望画是满满的,不知道透气。还要有静有动。不能到处都动。到处动,就乱了。动的多,就要静来陪衬。画的各方面都有联系,不能画布是布,画腿是腿。你要把它们连起来。

不要重复前人,也不要重复自己,那将腐蚀你的创造力,成为一种反复使用的既定程式。

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画画要「经济」,也就是说要能从简单裡看到丰富,从少裡看到多,但不是表面的多。换句话说,就是简单裡要有东西看。

《红岩》

画家要有忠实、诚恳的性格,假如对自己说谎,是不能做一个画家的。所以绘画的问题,也是一个道德观念的问题。不要骗人家,不要硬求新,要经常考虑自己的画要实在,要有深厚、永久的性格。

10.远离低级趣味

你们要想办法闭上眼睛,不要看低级趣味的东西,自己画自己的。

一个艺术家最重要的是自我批评,就是要不停地自己讨论自己,自己批评自己。我希望我走了以后,你们都有一个自我批评的眼光,自己能看出画的好坏,自己能判断什么地方好,什么地方坏。这样,你就有工作可以做了,你的画也就可以慢慢长进。

油画的问题是要画得自由,但难的是如何理解和表现自由。老实讲,我从1935年开始画油画,一直到1964年用了30年的时间才真正懂得油画自由表现的方法,因为油画有各方面的技巧,要适合你自己的需要,你的绘画技巧是为了帮助你自己达到表现的意愿。总之,技巧是第二位的问题,每当你有了新的绘画观点,你的技巧也就会跟著你的观点去变化。

美学的观点常常跟着时代在变,时代不同,观念也不同,文艺复兴时期寻找的美,同我们现在所寻找的美不一样。不过,世界上最好的画,最棒的杰作,即使换了时代也还是存在的。

画时各方面都有联繫,不是画布看布,画人看人,要一起画,不要把布和人分割开,它们之间都有连带关系。

有许多人喜欢学人家的外表形式。你学他那些有什么用?一个创造性的画家总是在变,在演进。你临他都没办法临,跟不上。不过,你们对传统的东西应该借鉴。中国那么多的传统,不好好利用那太可惜了。不了解传统,就没法进步。先人已给你达到一定的程度。没有印象派,野兽派和表现派就不可能出现。

《拥抱》 1951 年

画时各方面都有联系,不是画布看布,画人看人,要一起画,不要把布和人分割开,它们之间都有连带关系。

每一个人只要从中找出一部分自己最喜欢的,跟自己性格最接近的,把它消化;然后再学习西方好的东西,而不要他们俗媚的东西。把东西两方面最好的东西结合起来,再加上自己的个性,慢慢地自然而然地融合起来,那你的风格就会有了。

《静物》

一个艺术家最重要的是自我批评,就是要不停地自己讨论自己,自己批评自己。

我画画完以后,总要在家里放两个月,觉得靠得住再拿出去。靠不住,我就不签名,不出去。画出去了,收都收不回来。你若已经有点名气,那问题就更多。我每次展览都是提心吊胆的,每件作品都是经过反覆推敲才拿出去展的。

画画其实不需要那么多的理论,我觉得理论越少越好,只要能把眼睛和手结合起来就好了。然后要学会观察和控制画面,画的时候一开始就应该整个来,不要一开始就找小趣味。比如画人体,起稿时要把人体连同背景一起画,不要单单地画人体,否则关系不容易找到。

慢慢地来,要整体而有变化。这个变化要保持整体,在里面变化。动笔的时候,不要单单动一个部分,而是四方面都要看,不停地看。因为动一笔,到处都要动。绘画是整体的不是部分的。

11.不要抄,要消化

5.用自己的眼睛看世界

油画的问题是要画得自由,但难的是如何理解和表现自由。老实讲,我从1935年开始画油画,一直到1964年用了30年的时间才真正懂得油画自由表现的方法,因为油画有各方面的技巧,要适合你自己的需要,你的绘画技巧是为了帮助你自己达到表现的意愿。总之,技巧是第二位的问题,每当你有了新的绘画观点,你的技巧也就会跟著你的观点去变化。

你们太注意主题了。要知道,模特儿只是一个借题,你不应该是画她,而是借她来抒发你的情感。你不能做她的奴隶,不是她主宰你,而是你主宰她。你们一见模特儿,就怕得要死。颜色上去很多,结果都是灰的。要保持新鲜感呀!你们要记住这句话,就是绘画中所有东西都是个借题,不过是借它来表现自己。应该老是对自己说,管他是什么,我画我想画的东西。也就是借它这个题目,来做我的文章老子讲过“大象无形”,这就是真正绘画的道理。

所有的画,不是功夫好就能画好,画到一定的程度时,应当把功夫忘掉。你们有功夫,但画面到处都紧,紧得透不过气来,应该有松有紧,比较得多,层次就多。你们画的色彩却又太简单,要注意亮的地方不要都一样亮,灰的地方不要一样灰,深的也不要一样深,那么你们的画面效果就变化无穷了。

还有,也不要去将就别人的趣味,因为别人的趣味又有什么标淮呢?你在十个人里面也不能讨好两个人吧,何必呢!我们在法国画画也是不容易讨好人的,不要以为法国人的艺术品味就高,一般的人都是差的,什么国家都一样,只有很少的人能够懂你的画的。不要因为你成名了就会有很多的观众,没有这么简单的事情,说有很多人懂你的画,那是骗人的。

自己真正需要画抽象才抽象。况且抽象也不是什么新的东西,是属于50年代的东西,所以你们假如要画,应当在理解的基础上再进一步去画别的。

绘画的问题,根本就是观察的问题,就是用自己的眼睛去看,不要用我的眼睛去看,不要用自己以前的眼睛看。

最重要的是坚持你自己,为自己画画。画画是自己的语言,你把自己的语言讲出来,要尽量明了中肯,啰哩啰嗦的别人就听不懂。当然,有的时候只要自己懂就行了,以后别人也会慢慢了解的。

你们常会优柔寡断,没有信心。不要管它,画下去再说。动一笔算不了什么,「刷!」刮掉就行了。不要为了一笔好,让别的将就它,这是个大毛病!

有静,有动,不能到处都动,动的太多,就要拿静来陪衬。好像唱京剧,总是唱高调,就单调了。

我希望你们将来教书,也要让学生自己发现问题,每张画都有问题解决。不要让他们没有问题,没问题就不能进步。画到哪个样子,我都能想得到,那就糟糕了。每张画的问题都是一样,本身没有冒险,画没画完就知道怎么完成,那就毫无意思了。

这地方好,那地方坏,这地方应该多一点,那地方应该少一点,每一笔都自问是不是对的。能做到自检,就能经常发现自己的问题。你们若想要进步,就应该不停地给自己提出问题,每个人总有不完善的地方,问题是你看得清楚还是看不清楚。

在我看来,从16世纪起中国画就失去了创造力,画家只会抄袭汉代和宋代所创立的伟大传统。中国艺术变成技巧的堆砌,美和技巧被混为一谈,章法用笔都有了模式,再也没有想像和意外发明的余地。

中国画为什么进步不大,还在仿唐宋的味道?唐宋的画家也是在画自然生活中体会到的东西,并不是抄别人。为什么我们还在抄?

艺术不能脱离传统

把我们的绘画从写实的影响下抽象出来,是一种需要。驱使我的唯一动力,是在寂静的画室中,手拿画笔和颜料,面对一张空白画布这一需要。

我想绘画的问题,同社会的背景,生活的环境,和科学的进步都有关系,同文学、音乐、舞蹈、电影都有关系。我们对于来自各方面的影响都应该接受,这些观念上的东西对于艺术创作都会有帮助的。

一笔动,整个画面都动。这裡动,别的地方要呼应,要连起来画。格局不打破,就根本没办法画,非打破不可。

中国传统方面精神的东西很多,比如书法啦,瓷器啦。铜器方面有很妙的东西。看你喜欢什么东西,对它研究得深不深。中国唐宋瓷器也好得很,问题是怎样拿过来,不是生吞。我一直讲模仿的问题,是要吸收消化。模仿不是抄呀!你们抄的事太多了,还要抄,我现在要你们创作。

改画的时候,也要整个改,不要将就一两笔。看这里一笔好,就照这个地方搞,这是不可能的事情。整个好,才是好!

如果你们画画老圈套老伎俩太多,画每张画都先有个成见,那画出来的画一定和你以前的没两样。画小稿是没什么用处的,好像后面是在放大抄写小稿,会失去画面的偶然效果,画画如果没有意外,那就没有意思了。

2.看整体,不是看小趣味

绘画的问题,是想办法思考一下自己,好像和尚静养一样,把世界上什么东西都忘掉,把主题忘掉,就把你自己摆进去。让你本身,你的感情同画面直接连起来,等于恋爱差不多,双方发生接触的关系。你给画呼吸,画也帮助你呼吸。

《 29.01.64 》 1964 年

画抽象,画具象,都一样有空间、结构、光线和颜色的问题。具象和抽象之间有共通的道理,重要的是获得新的观念。

画抽象,画具象,都一样有空间、结构、光线和颜色的问题。具象和抽象之间有共通的道理,重要的是获得新的观念。

《秋韵》

不懂画的人,总希望画是满满的,不知道透气。

你们的技巧和功夫都很好,问题是观念没打开,并没有真正地用你们自己的眼睛看世界,并没有把你们每个人的本性都发挥出来。

不懂画的人,总希望画是满满的,不知道透气。

画画同呼吸一样。人需要呼吸,不呼吸活不下去,绘画也要呼吸。你要把你自己的感情摆进去,让画面同你一道呼吸。

12.面向你的时代

艺术家赵无极的作品画价飙升了近一百倍,他的画连连破亿,已有4件过亿成交。2018年春拍,“赵无极热”在香港拍场持续,成交连创新高。由此引来有一番热议。但赵无极这个天才艺术家却曾经极度叛逆。

我不是个聪明人,除了画画,我什么事都不会干。做一个艺术家别把自己估计得太高,总是估计低一点好。因为这工作是一辈子的事,做到40岁时有40岁的问题,做到50岁时有50岁的问题。你画得多了后,就容易形成自己的一套,这时更要不停地自己讨论自己,自己批评自己。

画画不要自己限制自己,不要说这里应该是什么颜色。你看人体本身有很多很多颜色,要你自己去发现。不要自己有个成见地去画,不要先有个主张。每张画有每张画的问题,不要把所有的画都觉得是一样的问题。这一点“想法”一定要破掉。

总之艺术不能脱离传统,不能仅仅追求时髦,一切要等五十年或一百年后再做定论。

对于绘画,对于艺术,他总结了一下12条经验。让你真正的了解艺术以及他的艺术作品。

美学的观点常常跟著时代在变,时代不同,观念也不同,文艺复兴时期寻找的美,同我们现在所寻找的美不一样。不过,世界上最好的画,最棒的杰作,即使换了时代也还是存在的。

用笔的方法都不能一样,有轻,有重,有稀,有厚,那么变化就多了。我平常就是画很细的东西也用大笔。中国笔有好处,画水墨时我总是用斗笔。油画笔不大容易,那么就要靠你的力量,这样子提起来,又这样子拖,转,各种方法都要运用。重要的是把自己的呼吸,自己的感情连到手上表现出来。

我画画完以后,总要在家里放两个月,觉得靠得住再拿出去。靠不住,我就不签名,不出去。画出去了,收都收不回来。你若已经有点名气,那问题就更多。我每次展览都是提心吊胆的,每件作品都是经过反复推敲才拿出去展的。

我不是个聪明人,除了画画,我什么事都不会干。做一个艺术家别把自己估计得太高,总是估计低一点好。因为这工作是一辈子的事,做到40岁时有40岁的问题,做到50岁时有50岁的问题。你画得多了后,就容易形成自己的一套,这时更要不停地自己讨论自己,自己批评自己。

中国的教育建立在记忆之上,学习写字和书法必须经过长期的重複动作,而所有的学院主义都来自重複。绘画正是要避免这个陷阱。要是在1935年,杭州美专的老师就教我这些,我该节省下多少领悟这些道理所费的时间啊!

各人应该用自己的眼睛去看

做画家,就得接受周期性阵痛,今天或许高兴,明天可能痛苦,但是决不能失望。作画的力量从未离开过我,我也从未逃跑或放弃。今天,我回顾自己的历程,觉得这股绘画的力量始终是一致的,我一直忠于自己的初衷,未曾逃避困难,也未曾以熟练的技巧去迎合创新的需要。

50年来,我每天沉浸于挥洒作画,作画成为我打开通道进入另一个世界的一种仪式。在那个世界里,我试图建立秩序。这有时易如涂鸦,有时又灵感全无,眼前一片空白,或者只看到艰难困苦,和一想起来就令我害怕的旧画法。

我想绘画的问题,同社会的背景,生活的环境,和科学的进步都有关系,同文学、音乐、舞蹈、电影都有关系。我们对于来自各方面的影响都应该接受,这些观念上的东西对于艺术创作都会有帮助的。

《山水》

你们要想办法闭上眼睛,不要看低级趣味的东西,自己画自己的。

不要重复前人,也不要重复自己,那将腐蚀你的创造力,成为一种反覆使用的既定程式。

力碾平了。他激动地说,“中国有灿烂的文化和历史,有精妙绝伦的绘画,根本无须向那些灰褐色基调的死板愚蠢的画面求教。”“我的学生们或许忘记了,也或许

在中国传统中,石涛八大是两个例外。在当时十八世纪画家中,只有这两个例子是特别的。十八世纪可以说是世界绘画运动中一个比较脆弱的创作时代,但总是有特别人材。比如法国有华多,夏尔丹,在西班牙有戈雅,在英国有透纳。

我觉得现在绘画的问题不是中国或者欧洲和美国的问题,而应当是国际性的问题。所以中国画和西洋画不应当分得太清楚,而是应该在一起考虑,西方的素描是基础,我们中国画毛笔字是基础,我觉得中国画和西洋画没有冲突,可以互相帮助,互相补充,分得很清是不通的。不能说我是我画水墨的,你是画油画的,他是做雕塑的……

现在你们的画还有个主题的问题,是想让别人看得懂,这个问题也要看是在什么程度上给什么人看,有的人看不懂,有的人会看懂,取决于每个人的文化理解程度。

你们的画常感觉是停在那裡,没有动的感觉。你们用笔也总有停的感觉,笔像是「摆」著画,笔不要用得太死,要活一点。用笔的方法也不能都一样,有轻、有重,有稀,有厚,这样变化就多了。


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